Light: Visionary Perspectives

Inauguré en 2014, le Aga Khan Museum a été conçu par le célèbre architecte Fumihiko Maki, lauréat du prix Pritzker, qui a puisé dans le thème de la lumière pour le réaliser. Pour son 10e anniversaire, l'exposition Light célèbre la centralité de ce thème dans l’histoire du Musée et de son importance à travers les cultures et les contextes, en tant que symbole unificateur.

Suite à des workshops créatifs, nous avons convenu avec l'équipe curatoriale de l’exposition, dirigée par les co-curatrices Bita Pourvash et Marianne Fenton, de s’éloigner d’une approche thématique divisant l'expérience en section, et de distiller plutôt les principaux thèmes dans l'interprétation de chaque œuvre directement : la lumière comme culture, connaissance et spiritualité. À partir de là, notre équipe a créé une série de principes de design pour circonscrire et amplifier l'expérience de visite autour du travail de chaque artiste.

La scénographie épurée de l’exposition célèbre l’architecture géométrique du Musée, soulignant des interactions entre forme et sens, lumière et ombre. Notre design accentue la portée lumineuse des installations par le biais de perspectives et d’angles inattendus qui révèlent les contours, les couleurs et le dynamisme de chaque œuvre, et génèrent de nouvelles interprétations et conversations. À titre d’exemple, les deux œuvres d'Anish Kapoor ont été présentées en face à face pour susciter un dialogue direct entre les pièces. Cette mise en scène inédite permet aux publics de plonger d'une illusion d'optique à une autre, d'un monde à l'autre. Le dialogue entre les installations d'Olafur Eliasson et de Mallory Lowe Mpoka illustre également ce principe, où la fonction de l’une et la forme de l’autre évoquent ensemble le symbole de la lumière comme guide.

Nous avons structuré l'espace de la galerie en agençant une série de cubes monumentaux créant du rythme et de la cadence entre chaque œuvre. Cette approche de zonage volumétrique transforme chaque œuvre en destination à part entière. Les volumes provoquent des connexions inattendues entre les œuvres d'art tout en proposant une circulation intuitive aux visiteurs. Une élégante palette de couleurs monochromes contrastées et des ouvertures murales soigneusement inclinées amplifient et dirigent la lumière émise par chaque installation. Les structures et les lignes de peinture rendent hommage à l'architecture du musée en jouant sur les angles géométriques.

Sensible à l’accessibilité de l’art, notre approche est inclusive autant dans la scénographie que les formats de communication graphiques. À ce titre, notre équipe a présenté les vitraux de Ghazaleh Avarzamani, auparavant accrochés sur un garde-corps, en tant qu'installation à échelle humaine. Dans le même élan, les cartels vivent à hauteur du regard, parfaitement intégré à la scénographie. Le recours à de larges cartels encourage la lecture à plusieurs, invitant à l’interaction et la conversation entre visiteurs autour de chaque œuvre, et ainsi faire tomber les barrières.

Inspirée par l'architecture lumineuse et géométrique du Musée, conçu par l’architecte Fumihiko Maki, la scénographie sublime et souligne les jeux d'ombres, de lumières et de formes des installations immersives. Élue parmi les 10 meilleures expositions de 2025 en Amérique du Nord par Christie's, l'exposition a accueilli plus de 130 000 visiteurs de juin 2024 à mai 2025.